Boa sorte, meu amor

Especial: Competição Internacional de longa metragem do

Festival Olhar de Cinema de Curitiba

Direção: Daniel Aragão

País: Brasil

Ano:2012

Não é coincidência que “Boa sorte, meu amor” tenha passado em sua segunda sessão no Festival Internacional de Curitiba; cidade fria e solitária, exatamente no dia 12 de junho, dia dos namorados. Classificado pelo diretor como um “anti romance” autobiográfico, “Boa sorte...” retrata um improvável romance buscado pelo protagonista Dirceu, como desculpa para uma busca de autoconhecimento, revelando uma breve história dos moradores de Recife e sua relação com o passado latifundiário no sertão nordestino.

Dirceu, descendente de uma família latifundiária do sertão, tem uma vida estável na capital pernambucana, até conhecer Maria, uma artista questionadora de sua realidade atual. A diferença entre os dois fará Dirceu perseguir novos horizontes em uma saga por um sertão surreal e onírico, onde a realidade e a ficção se confundem.

Em seu primeiro longa metragem, Daniel Aragão homenageia seu leque de referências, em um filme fetichioso, dando ao espectador um deleite aos olhos apurados, e ao mesmo tempo instigando os ouvidos em uma trilha sonora que caminha entre o blues e o clássico, com sinfonias de metais com acordes dissonantes e duvidosos; além de possuir um som diegético peculiar: as falas possuem um volume pouco intenso, se contrapondo com a trilha, que é extremamente alta.

As referências de cinema e música chegam a ser exageradas; temos a vida noturna dos anos 1960: seios expostos e lábios carnudos em closes fetichistas, misturados a chicotes e zooms rápidos lembrando clássicos de faroeste. Experimentamos a sensação de um preto e branco bastante contrastante, como nos filmes de Fellini, a luz expressionista dá uma qualidade irracional e onírica; meninos mergulham em um rio aparentemente sem sentido, o silêncio em algumas cenas parecem desconstruir a narrativa, confundindo o espectador, lembrando até mesmo os filmes surrealistas de Buñuel.

Gustavo Halfen

Menino do Cinco / Filme Para Poeta Cego

Especial: Competição Internacional de Curta metragem do

Festival Olhar de Cinema de Curitiba

Os curtas brasileiros estão em destaque no Festival Internacional de Cinema de Curitiba. “Menino do Cinco” e “Filme Para Poeta Cego” criaram uma sensação de desconforto na última sessão de curtas desta terça feira (11 de junho) do evento.

Menino do Cinco

Direção: Marcelo Matos de Oliveira, Wallace Nogueira

País: Brasil

Ano: 2012

“Menino do Cinco”, curta de Marcelo Matos de Oliveira e Wallace Nogueira, inicia-se como uma jornada infantil de um menino e seu animal de estimação. Mas logo percebemos uma análise comparativa entre crianças de vivem nas ruas, acostumadas com a interação das grandes metrópoles, e meninos que moram em seus apartamentos de classe média alta, nas grandes cidades; mais precisamente, como um dos diretores citou em entrevista: “meninos de rua e meninos sem rua”. A possessão por objetos materiais e acondicionamento da solidão para aqueles que vivem trancafiados, destaca-se no filme, que embora tenha cenas que seriam de apelo àqueles que gostam de crianças e filhotes de cães, aqui, a possibilidade de surpreender-se com um trágico acontecimento de um dos supostos vilões da jornada infantil, que não cabe aqui, caro leitor, revelar seu desfecho final, traz uma reflexão do comportamento das diferentes classes sociais neste Brasil continental.

Filme Para Poeta Cego

Direção: Gustavo Vinagre

País: Brasil

Ano: 2012

Talvez o filme mais ousado do festival, “Filme Para Poeta Cego”, causou constrangimento na sala de cinema do Shopping Crystal em Curitiba. Baseado na obra artística do poeta cego, sadomasoquista e pedólatra Glauco Mattoso, o diretor Gustavo Vinagre cria uma obra que, como seu sobrenome, pode soar azeda para a maioria das pessoas. Na trama temos um falso documentário, onde Glauco contrata um ator para satisfazer seus fetiches. Deglutir fezes, lamber solas de sapato e se queimar com cera de vela quente, são alguns dos prazeres tortuosos os quais nosso triste ator implora para acabar. Na sala de cinema escutava-se risadas macabras e forçadas, além de gemidos e movimentos dos espectadores, que não conseguiam encaixar uma posição confortável nas poltronas do cinema. Não que as cadeiras do Cinema Itaú sejam desconfortáveis, nem que o curta metragem tenha cenas explícitas; a sacada de Gustavo Vinagre foi apenas sugerir tais acontecimentos na tela, deixando livre a interpretação do público que, sem exceções, mostrou-se de mente suja e perversa, dando orgulho ao meu chará, diretor de sobrenome de tempero forte. “Filme Para Poeta Cego” é atrevido e audacioso, quebra paradigmas e conceitos sociais, sem julgar. Caminha na contramão da maioria dos filmes do festival que, sem medo de ser vaiado, dá um tapa na cara da sociedade. E, não poderia ser diferente, pois a poesia de Mattoso cita: “Não creia em tudo aquilo que está lendo, Duvide até da própria assinatura (...) Se ser um masoquista é que ele jura, No máximo masturba-se escrevendo (...)”. 

Gustavo Halfen

Matéria de Composição

Especial: Competição "Olhares Brasil" de longa metragem do

Festival Olhar de Cinema de Curitiba

Direção: Pedro Aspahan

País: Brasil

Ano: 2013

O processo de composição de uma trilha sonora experimental, visando a música erudita como meio (ou limite) para tal, através de um filme pronto, não é fácil. A proposta de Pedro Aspahan foi gravar um vídeo de aproximadamente oito minutos, filmando a desconstrução de casas,  retirada de portas e janelas e, assim entregar o curta metragem editado para três diferentes compositores, acompanhando o processo de criação, ensaio, gravação e edição da trilha para o produto final.

Matéria de Composição retrata com uma seriedade exacerbada as diferentes formas de criação e interpretação de distintos inventivos compositores de música erudita. Parece-me que a ideia do longa mineiro foi passar a sensação de quão trabalhoso é o processo de interpretação até a gravação final da trilha, passando para o espectador as diferentes viagens sensoriais de uma mesma imagem na tela. O erro do diretor foi tentar uma maior aproximação a um público leigo em relação à música erudita. O longa tornou-se tedioso com closes, enquadramentos e travellings desnecessários, trazendo uma sensação desgastante a quem o assiste. A defesa de usar somente música contemporânea na trilha, deixou-me a impressão limitante em relação ao processo de composição, que poderia ter misturado um leque mais amplo de estilos musicais, aproximando o público, não só como forma de educação, mas também como entretenimento cinematográfico.

Gustavo Halfen

Posas (Shackled)

Especial: Competição oficial de longa metragem do

Festival Olhar de Cinema de Curitiba

Direção: Lawrence Fajardo

Ano: 2012

País: Filipinas

A trilogia dinamarquesa Pusher, é um marco em longas metragens que retratam o submundo das drogas nas grandes cidades; o contraste exacerbado, ambientes escuros e claustrofóbicos, vermelho constante, câmera na mão seguindo os personagens, fez deste, uma referência em filmes do gênero. Em Posas, Jess, um jovem de 20 e poucos anos, vive de pequenos furtos, para sustentar sua mãe e irmã, nas movimentadas ruas de camelôs na cidade de Manila, nas Filipinas. Ao roubar o celular de uma jovem da alta elite, Jess é preso pela polícia, e acaba por conhecer o que há por trás de todo o sistema daqueles que vestem a farda da polícia.

Toda a sensação de claustrofobia citada acima é percebida em Posas, que ao início mostra o carro da polícia com a frase: “Servir e Proteger”, nos dando a ideia da proposta do longa filipino, trazendo a reação em cadeia do corrompimento do sistema de segurança das grandes cidades.

Desde que o ser humano vive em sociedade, foi criada uma classe de pessoas treinadas para manter a ordem e proteger àqueles que vivem e contribuem com a comunidade. Na época do feudalismo, na sociedade pós revolução industrial, pós revolução francesa, e hoje em dia, a polícia têm esse dever. E não é novidade que o abuso de poder retratado em diversos longas metragens (Crash – No Limite, O Lugar Onde Tudo Termina, Tropa de Elite, etc), esteja hoje mais presente do que nunca. Porém aqui acompanhamos um dia na vida dos policiais de Manila, através dos olhos do infeliz ladrão Jess. A injustiça reproduzida aqui é angustiante e o preço a pagar pelo roubo de um celular, além de mudar totalmente sua vida, o torna dependente tanto da cadeia de crimes, como da polícia corrupta.

Tendo uma proposta interessante e uma linguagem bastante subjetiva, Posas erra em um pequeno detalhe, mas que compromete todo o longa metragem: o diretor filipino acaba subestimando o telespectador, desprezando o uso da inteligência daqueles que assistem sua obra.

Gustavo Halfen

El Bella Vista

Especial: Competição Oficial do Prêmio "Novos Olhares" 

2º Olhar de Cinema - Festival Internacional de Curitiba

Direção: Alicia Cano Menoni

País: Uruguai, Alemanha

Ano: 2012

El Bella Vista é um filme difícil de definir o gênero, sendo um longa dentro de outro, "El Bella..." é um documentário ficcional de um acontecimento verídico. E o pior (ou melhor): os personagens foram interpretados pelos próprios protagonistas da história real.

El Bella Vista foi sede de um clube de futebol homônimo, na pequena vila de Durazno, no Uruguai; com a extinção do time, o prédio foi vendido, e lá, fez-se um prostíbulo de travestis, bastante frequentado pelos habitantes da cidade. Após alguns anos de sucesso, a casa noturna foi fechada pelo presidente do extinto clube, que não admitia tamanho paganismo na sua antiga sede futebolística. Logo, de um bordel, a casa tornou-se um centro de catequese de crianças.

Com um roteiro inteligente, El Bella... vai nos apresentando a história em forma de belas fotografias, onde as cores se derretem criando uma diferente textura e aguçando os sentidos do espectador, com um cuidado especial que nos dá vontade de pausar o filme e imprimir as imagens. A preocupação com a iluminação do longa, nos fascina: idosos possuem brilho nos olhos e marcas de experiência nos rostos, e travestis são iluminados por luzes neón.

O documentário sobre o prédio acaba tornando-se um centro de reflexão sobre a sociedade atual no mundo. Futebol, religião, prostituição, homossexualidade, estão intimamente ligados por um ambiente que os abrigou carinhosamente e fez-se deles sucesso, cada um em seu tempo.

O mosaico da sociedade contemporânea no interior, é documentado explorando a questão do preconceito, mas também enfatiza o amor e a necessidade que todos temos de amar e ser amado.

O longa conta com depoimentos dos personagens protagonistas, e adapta à uma ficção. Em cenas vividas pelos personagens, a diretora uruguaia, Alicia Cano Menoni, referencia o clássico da Novelle Vague, Pierrot Le Fou (1965), com rompimento da narrativa, nos lembrando que mesmo sendo um ficção, a realidade é onipresente.

Tudo se interliga dramática e compassadamente em El Bella Vista, em uma mistura de ficção e documentário, fotografia e pintura, atuação e vivência.

Curiosidade: O personagem Frederico não foi encontrado para participar do longa. Portanto somente este, foi protagonizado por um ator.

Gustavo Halfen

O lugar onde tudo termina (The place beyond the piles)

Direção: Derek Cianfrance

Ano: 2012

País: EUA

Seria muito difícil analisar este filme sem liberar alguns spoilers. A obra de Derek Cianfrance é dividida de certa forma em capítulos, tendo algumas reviravoltas. O que me levou a necessidade de citar algumas cenas que podem prejudicar o desenvolvimento do filme, se este texto for lido antes de se ver o filme. Portanto, para um leitor e espectador mais atento, sugiro que leia esta crítica após a sessão de cinema.

I

Ao início temos o corpo malhado e tatuado de Luke (Ryan Gosling) brincando agilmente com um canivete, e como um ser onipotente ele veste sua jaqueta e sai de uma espécie de camarim, se deparando com um público ávido por sua presença que, os desperta aplausos. A câmera o segue pelas suas costas, até ele subir em uma moto e mostrar sua coragem no famoso Globo da Morte de um circo da cidade. Luke é um tigre, com seu corpo tatuado ele demonstra coragem e liberdade em seu olhar.

Após seu show, Luke se encontra por acaso com Romina (Eva Mendes), uma mulher a qual teve um breve caso em um passado não tão distante, e descobre ter um filho com ela. O motoqueiro abandona a vida no Globo da Morte e decide ter um trabalho em que consiga dar condições para que seu filho cresça em um ambiente tranqüilo; “Eu tive um pai ausente e olha o que eu me tornei, não quero que com ele seja assim.” Luke demonstra uma preocupação sincera em relação ao fato de ser pai, mas seu novo trabalho na oficina mecânica de seu amigo Jack (Bem Mendelsohn) não lhe dá condições mínimas para pagar suas próprias contas, e ele decide utilizar sua habilidade de piloto de moto para assaltar pequenos bancos. Com dinheiro na mão a vida melhora, mas sua sede por poder aumenta, e logo ele é morto em uma tentativa de assalto.

Mesmo Luke sendo um bandido, sua sinceridade por dar uma vida tranqüila ao seu filho, torna-nos cúmplice de seus atos criminosos; filmados em plano sequência, além de nos dar a sensação de estarmos no mesmo ambiente do crime, torcemos para que nada de errado aconteça. Quando ele é assassinado pelo policial Avery (Bradley Cooper) na primeira hora do filme, assim como em Psicose (onde Hitchcock mata sua protagonista logo de início), aqui o espectador também se vê perdido, sem ter um personagem para seguir pelo resto da trama.

II

O policial Avery também se vê ferido no acontecimento que levou a morte de Luke, e quando acorda no hospital, é saudado como herói, o qual bravamente matou um delinquente que vivia à beira da sociedade. Porém, a consciência deste “herói (“anti-herói” para nós: espectadores onipresentes), está bastante abalada; primeiro por matar o criminoso sem motivo aparente, e segundo porque descobre que Luke, assim como ele, também tem um filho de colo e, que este crescerá sem conhecer seu verdadeiro pai. A situação se agrava quando descobre seus companheiros de trabalho fazendo parte de uma rede de corrupção que alimenta o crime o qual Avery quase perdeu a vida tentando combater.

É interessante perceber que quando víamos Luke roubando para satisfazer suas necessidades como pai, não sentíamos tamanho remorso que agora nos toma conta ao ver tais policiais abusando do poder para satisfazer seus egos e desejos de ambição. Avery, tomado pela necessidade de limpar sua consciência, decide declarar guerra contra a corrupção da polícia local, tornando-se assim, membro do ministério público do estado de Nova York.

Neste segundo ato, temos um novo protagonista: o policial Avery. Uma nova temática é abordada: a corrupção no meio policial e político; como no segundo Tropa de Elite (José Padilha), onde vemos a criminalidade a partir de um outro olhar em relação ao primeiro filme; uma visão mais ampla, justificando a cascata de crimes até chegar na periferia da sociedade.

III

Passam-se quinze anos, e por uma coincidência do destino, o filho de Avery, AJ, torna-se amigo do filho do falecido Luke, Jason. Ambos não sabem de suas relações do passado; eles estão mais preocupados em ficarem chapados com quaisquer drogas que apareçam na frente, como uma espécie de fuga por sentirem seus pais ausentes de suas vidas, um devido ao trabalho, o outro devido à morte. Os dois jovens se entendem bem, e o longa poderia ter acabado por aqui de forma excelente, mostrando que apesar de toda a luta por um ideal de sociedade, Avery não consegue nem proteger seu próprio filho do submundo das drogas; porém o diretor Cianfrance tem outros planos para o futuro deste dois descomprometidos amigos.

Se em “Namorados Para Sempre” Derek Cianfrande brinca com o universo atemporal, indo e vindo na estória, aqui o diretor demonstra total controle do tempo, que agora é linear, apresentando continuidade através das conseqüências dos atos de um passado que foi densamente evidenciado no primeiro ato.

Com o tempo Jason passa a questionar sua mãe sobre o paradeiro de seu pai, e nós, espectadores, torcemos para que ele saiba que seu pai morreu tentando lhe dar uma vida melhor, mesmo que de forma criminosa (o longa não julga os atos que Luke utilizou para tentar sustentar seu filho). Logo a verdade vem à tona, e não demora para que o conflito do passado coloque na encruzilhada tanto AJ e Jason, como Avery.

Neste terceiro ato, a trama passa a dar ênfase ao drama adolescente, além de revelar o “efeito borboleta”: fatos do passado que repercutem no futuro. Jason passa a ser o protagonista da estória, o espectador se identifica com ele, torcendo para que descubra dentro de si o espírito de liberdade e coragem presente em seu pai.

Cianfrance cria uma rede de intrigas ligadas por acontecimentos em diferentes tempos e personagens; são três contos com protagonistas distintos, que se ligam de forma harmônica em uma estória contínua e bela, onde se questiona e analisa, de forma não julgadora, o crime marginal, a corrupção policial e as consequências de atos que irão repercutir em um futuro inesperado.

Estreia dia 7 de junho nos cinemas!

Gustavo Halfen